时装设计插画-服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些可以详细说说吗

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师
也是时尚的最佳代言人
大卫.唐顿DavidDownton，
1959年生于伦敦。
从孩提时 始，
对他最好的款待就是一大页白纸。
然而，
大卫没有想到的是，
很久以后他可以依靠画为生。
▲大卫.唐顿年轻时在画画
▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。
▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。
大卫最初学习的是平面设计专业，
他的第一幅作品是20世纪80年代早期，
为WhichComputer杂志设计的封面。
▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。
曾有15年时间，
大卫一直是自由职业插画师。
无论有什么事情发生，
他都很享受这种自由插画师的生活。
▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。
▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。
大卫的作品线条简洁流畅，
很有质感，风格也不矫揉造作，
可以很好地展现出的优美体态。
因为这种独特的绘画风格，
有一些人开始邀请他制作时装插画。
其中，就包括
85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，
她也是大卫的缪斯之一。
▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。
▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！
▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。
他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、
Eric这些艺术家心存景仰。
因此，
在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。
1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，
1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。
最开始他眼花缭乱完全没有准备，
但是，
巴黎时装秀实实在在地，
激发出一个艺术家的灵感。
巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。
而这里的一切都让人神魂颠倒。
在模特走秀的时候，
大卫从来不作画。
因为他发现那根本无法进行，
他仅仅是摄影或者在一旁观看，
并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。
他抓住其他的任何机会来画，
模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。
比如：试衣的时候，
有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...
▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。
大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”
▲草稿也动人
大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，
然后才是比例、颜色等一些细节，
然而，这一点是较难做到的。
▲草稿也动人
大卫画无数份的设计草样，
然后从中挑选出最好的，
画得差不多的时候他就开始剔除，
“分解—重建”它们。
他持续地画，
一直到它们看起来自然为止。
他为世界各地的知名媒体，
如《泰晤士报》《独立报》，
以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，
撰写时装的相关报道。
并在伦敦举行过三次个展，
在纽约也举行过一次个展。
近年来，
他还为香港的购物中心设计视觉图像，
以及为Vogue女性时装系列绘制插画。
▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。
▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。
▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。
▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。
▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。
大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~
要想功夫深铁杵磨成针～
想拥有超越别人之外的能力，
就要将能力修炼到极致！服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？1.波普风格
波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍饕ü桃狄帐醯拇醋魇址ǎ纬扇诤洗笾谖幕肷桃狄帐醯娜乱帐醴绺瘛M保ㄆ辗绺裰邢喽愿】涞目ㄍㄐ蜗蟆⒈ㄖ桨婊问郊坝哪谋暧铮餐槌啥朗粲诓ㄆ辗绺竦奶厣也ㄆ辗绺竦囊帐跣苑浅G_3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一，首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河，并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念，具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日，波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。
2.抽象风格
通常，抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作，在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一，其抽象风格的创作方式较为独特，侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容，且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例，此作品深受蒙德里安抽象风格的启发，选择多种颜色的线条、三角形、长方形，给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受，并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。
3.具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格，其图形特点普遍写实且逼真。再者，具象风格作品对线条的展现相对直接，可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理，从而提高作品的色彩感，突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例，曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力，可以将插画作品布满在服装设计作品当中，且其作品侧重精心细腻化创作人物造型，突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外，具象风格中线条展示相对飘逸，可以给予受众心理如梦如幻的体验感受，尤其是应用在服装设计当中，能有效提高设计作品的精巧程度，赋予设计作品灵动的美感。
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一.时尚插画的开始
时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亚伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年 始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二.十九世纪的时尚图样（Thefashionplate)
时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。
到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。
三.二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》（Gazettedubonton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（CharlesMartin），爱德华多·加西亚·贝尼托（EduardoGarciaBenito），乔治·巴比耶（GeorgeBarbier），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（UmbertoBrunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。
在美国，大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发，《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（HelenDryden），乔治·沃尔夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape），莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。
第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（EduardoBenito），查尔斯·马丁（CharlesMartin），皮埃尔·布里索（PierreBrissaud）和安德烈·马蒂（AndreMarty）。
四.时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。
五.时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章，或从事广告活动。
1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥·洛佩兹（AntonioLopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六.今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代，先驱插画师EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。
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服装设计灵感来源插画-服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些?可以详细说说吗?

1. 了解文化变迁，合理应用插画改变服装形式及设计风格。2. 合理应用服装设计技法，如刺绣、贴布绘画、手绘插图等，丰富服装设计的色彩、图案及形式。3. 结合插画的技法要求，综合考虑设计师的个人设计风格，进行合理的重塑、归纳、改进。4. 适当添加夸张技法，开拓设计师的设计思维空间，增强创新意识。